Antes de começar a falar sobre o Oscar, que tal comentarmos sobre a transmissora do mesmo em sinal de televisão aberta? A pergunta que me faço é: como uma emissora se digna a comprar os direitos de transmissão desse importante programa e praticamente abre mão dos mesmos, ao dar continuidade a sua grade normal, tanto em programação quanto em horário?

Não compra, oras. Deixa para as outras que fazem boas transmissões, como aquelas da Gabi Gabriela, com comentários do Ewald Filho e senão me engano, uma vez, da apresentadora Babi com comentários do Roberto Sadovski, ex-editor da SET, no SBT do Silvio?

Resultado? Boa parte da premiação já entregue, temos o José Wilker e uma apresentadora no ar. Nada contra um, nem com o outro. Mas acho que até mesmo eles ficam sem graça ao perceberem que o que vão falar se baseia em prêmios já entregues.

Mas vamos falar do que interessa então simbá: “O Discurso do Rei” é muito bom filme. Sim. O é. Mas ele é melhor que “Bravura Indômita”, “Rede Social” e até mesmo “A Origem”? Tenho cá minhas dúvidas. Uma coisa eu sei: o filme possui mais méritos que deméritos.

“Discurso” é daqueles filmes bem realizados. Com enredo desafiador – quando o personagem principal se confronta com uma situação extraordinária e terá que pô-la abaixo a favor de um motivo maior – e que possui excelentes atuações. Se levarmos em conta que a história toda escrita se baseia em um fator físico do personagem principal, entende-se como ele “roubou” o Oscar “certo” de roteiro original de “A Origem”.

Os outros prêmios recebidos: de melhor ator – uma compensação pelo não creditado Oscar do ano passado a Colin Firth no seu belo trabalho em “Direito de Amar”, o ator mesmo lembrou que devia metade deste prêmio ao diretor deste filme, Tom Ford – diretor e filme, não são compensações, passam até como acerto, mas em que parte? Na seguinte:

Tom Hooper, o mais novo dos diretores, arriscou-se em um segmento já tantas vezes encenado em tela grande: o drama histórico. Mas ele não o fez sem mostrar um novo olhar sobre o já batido tema “Segunda Guerra Mundial”. Seus personagens são mais sensíveis, o enredo não força a barra, a fotografia é por muitas vezes até experimental e sua trilha passa raspando no comum, mas possui grandeza dramática eficiente. Pelo conjunto da obra e por mais uma vez, os Weinstein terem estreado o filme próximo das premiações internacionais – deixando o filme fresco na memória de quem o vê – o filme sai mesmo como o maior premiado.

Hooper acerta em outros dois pontos: a gagueira de seu personagem principal não é anedótica nem tão dramática, é praticamente um entrave, um solavanco, algo que lembra aquele personagem que ele, apesar de grandioso em sua tradição, é humano e falho. A atuação de Helena Boham Carter como uma rainha mais contida, sem os já característicos exageros que marcam sua carreira, transparece a mão pesada de Tom.

Roteiro, diretor e ator principal premiados? Seria impossível, ou até mesmo irracional, não premiar a produção como a melhor entre as 10 indicadas.

O segundo filme mais premiado da noite foi “A Origem”. Dentre os prêmios merecidos, estão mixagem e edição de som e efeitos visuais. Concordo com Wilker que o filme não merecia o de melhor fotografia – esse ficaria entre “Bravura indômita” e o já citado “Discurso do Rei” – mas não concordo com seu argumento de que o filme de Christopher Nolan parece ter uma fotografia computadorizada, até porque, boa parte das cenas mais importantes do filme foi feita com trucagem mecânica.

Se “A Origem” realmente merecia um prêmio que lhe foi negado, foi o de melhor trilha, de longe superior ao de “A Rede Social”. Falando no filme do criador do Facebook, duas escolhas feitas a favor do filme, na premiação, foram dignas: melhor roteiro adaptado e melhor montagem – aqui um adendo: impossível não lembrar de “Scott Pillgrim” quando o assunto é montagem, mas aí teríamos que lembrar que Nolan não foi indicado ao prêmio de melhor diretor também.

Ainda sobre “A Rede Social”. Se o filme não fez a premiação de ator, em minha opinião, Jesse Eissenberg é melhor que Firth, assim como Bridges é melhor que os dois juntos, também não o fez de melhor filme, como poderia premiar seu diretor? Fincher passou, mais uma vez, limpo no Oscar.

Mas de todas as ignoradas deste Oscar 2011, a menos justificável foi o “somente indicado” que o pôster e a futura capa do DVD/Blu-Ray de “Bravura Indômita” terá em letras garrafais. A produção, seu novo script, ator principal, atriz coadjuvante, trilha e insuperável fotografia, passaram zerados por este Oscar. O que nos leva ao seguinte raciocínio, bem explorado na fala final de Steven Spielberg – que viu seu filme não convencional de guerra “O Resgate do Soldado Ryan” ser derrotado pelo esquecível “Shakespeare Apaixonado”.

“A Rede Social”, “A Origem” e “Bravura Indômita” figurarão ao lado de “Cidadão Kane”, “O Mágico de Oz”, “O Grande Ditador” e muitos outros bons filmes, totalmente ignorados pela “tal” academia. Fazer? Ano que vem tem mais.

!!É tão bom voltar triunfante... ou: 'O Vencedor'” Por Rod Castro!

Parabéns. Essa é a primeira palavra dita a três pessoas envolvidas com o projeto chamado “O Vencedor”. As três, por ordem de importância são: David O. Russel, Christian Bale e Amy Adams.

Russel, que já fez dois filmes interessantes bem acima da média, comédias inteligentes e que merecem indicações aqui do A Sétima - “Procurando Encrenca” (de 1996) e “Três Reis” de 1999 - acertou a mão mais uma vez. Mas surpreendeu por sair de um território dominado – o do cômico – para abordar o drama com tons de Neo-Realismo que orgulharia os mestres Luchino Visconti, Vittorio De Sica e Roberto Rossellini.

Sua câmera registra, sem ter o compromisso de se fixar ou ao menos parecer ter obedecido uma marcação. Desde o primeiro take, em que é registrado um depoimento feito pelos personagens principais, passando pela sequência em que eles asfaltam algumas ruas e por último, os acompanhando ao descer uma importante rua de seu bairro e interagindo com os moradores “reais” do local, a liberdade dada transparece a fuga do segmento drama clássico.

Outro acerto de Russel está na condução de sua história e na condução de seus personagens. Nas duas situações ele se espelha no estilo empregado para registrar o filme: naturalidade e liberdade, tanto de movimentação quanto de tempo.

Assim, não temos a típica cena de treino dentro de um ginásio. Ela ocorre, na hora certa, no meio das ruas, com a participação dos transeuntes. Nada de uma família funcional que apóia seu vencedor, ela é mais um obstáculo para que ele se torne um campeão de sua categoria. Também não temos a companheira funcional e muito menos trilha crescendo ao redor dos momentos dramáticos.

E para mostrar que Russel acredita em seu trabalho, dá mais importância para o que ocorre fora do ringue do que dentro e o momento mais “especial” da história, quando seu personagem sagra-se campeão, ele transforma a luta em algo secundário.

Christian Bale, já fez personagens que impressionam. Tanto pelas suas características e histórias, chegando até a transformação que o ator se propõe a sofrer, para que a caracterização se torne perfeita.

Foi assim com o seu repórter com tendências homossexuais em “Velvet Goldmine”, seu psicopata de musculatura performática em “Psicopata Americano”, seu “guerreiro medieval futurista” no subestimado “Reino de Fogo”, o esquelético paranóico de “O Operário” e as duas versões completamente diferentes de Bob Dylan em “Não Estou Lá”.

Não seria diferente agora. Inicialmente o seu papel de irmão mais velho (Dick Englund) que já foi um vencedor no boxe, mas que foi derrotado pelas drogas – o vício do crack – não impressiona, pelo contrário, trás um ranço de exagero. Mas com o passar do filme, a construção feita é perfeita. Bale rouba toda e qualquer cena em que esteja presente e seu personagem totalmente falho nocauteia o público.

Impressiona mais ainda ao final do filme quando vimos o verdadeiro Dicky em ação. É um competidor forte em qualquer competição artística na categoria de ator coadjuvante, levou peia no Bafta, mas se consolidou no Globo de Ouro. Será o seu primeiro Oscar? Esperemos.

Detalhe: interessante, mais uma vez, o ator que marca a tela junto ao público maior do cinema, ao encarnar nada menos que Bruce Wayne/Batman, desaparece imageticamente e até personificadamente. Mais mérito que isso?

Amy Adams é jovial, linda e até excêntrica. Remete a uma pureza necessária para os eternos papéis de moca legal de uma comédia romântica. Pois ela encarna com maestria o seu oposto em todos os quesitos. E o sentido de realidade utilizado por todo o filme não escapa de sua personagem que além de se vestir mal, chamar palavrões por tudo, ter uma independência física amorosa e ser uma das poucas pessoas a encarar a mãe (Melissa Leo) do Vencedor (Mark Whalberg) e seu irmão ex-boxer (Bale), está visivelmente fora de forma – o que de certa forma até choca os espectadores que sempre idealizam a mulher do herói.

Suas cenas, na maioria das ocasiões, são o alívio cômico do filme. Mas sem ser gratuito, nada em cima de algo já pensado, são ações naturais do desenvolvimento da história – como na hora em que ela sai na mão com as sete irmãs de seu namorado, arrebentando a cara de uma delas.

Como então, um filme que passa raspando por três “gêneros”- como o do boxe, o do drama familiar e o das drogas - consegue se diferenciar de todos eles, sem apelar para algo recorrente e ao mesmo tempo, ao subir dos créditos, triunfar? Simples: risco.

E esse risco que muitos sempre tanto valorizam e acabam não correndo é o maior acerto por parte de quem comprou esse desafio de levar as telas um filme tão bom como este “O Vencedor”. Imperdível, nota 9,0.

“Cisne Negro” de Darren Aronofsky

Há quase uma semana, revi “Cisne Negro”. A primeira vez foi em casa, em uma cópia passada pelo meu primo que havia descido o filme da internet. Como eu tinha certeza que o mesmo não passaria nas salas locais, afinal, nenhum filme de Aronofsky havia passado, resolvi assisti-lo numa manhã de sábado.

O filme termina e um sorriso paira sobre meus lábios. A primeira conclusão: ele fez um filme de terror, horripilantemente perfeito.

Na segunda vez que vi o filme, outra conclusão, esta mais centrada na observação entre o enredo e o estilo com que Darren produziu o filme: ele misturou o aspecto psicológico e até a fotografia de “Persona”, de Ingmar Bergman, com o seu primeiro trabalho, o transtornado “Pi”.

Esta segunda conclusão não vai de encontro a primeira, ao contrário a endossa. Afinal, “Pi” é um filme de terror, ou não?

Mas para explicar o que vi em “Cisne Negro” a melhor forma de contar essas observações é dividindo este artigo em três partes: “Persona”, “fotografia” e “atuações”.

“Persona”

Este é o melhor filme que vi do mestre sueco Ingmar Bergman. Nele é trabalhado o tema dupla personalidade de uma forma única: uma mulher passa por um trauma, isola-se em uma ilha para ser tratada por uma enfermeira. Com cenas muito bem tramadas – repletas de reflexos em espelhos e vidros, assim como imagens milimetricamente realizadas para as duas personagens ficarem sobrepostas – Bergman mostra como o nosso Ego é capaz de suprir a necessidade até de outra pessoa, para a resolução de um problema que o Id não tem forcas para solucionar.

É impossível assistir ao “Cisne Negro” e não se lembrar de “Persona”. Aronofsky se utiliza infinitamente de espelhos, às vezes multifacetados, como a imagem que você dever ter cansado de ver por aí – aquele espelho que está na sala da casa da mãe de Nina (Natalie Portman) – e às vezes até multiplica a imagem de Nina, como em uma cena vital para percebermos o que rola na cabeça de sua personagem.

A diferença na trama reside na necessidade de Nina em se apoiar em outras personagens femininas para criar o seu novo eu – ela é chamada para fazer o papel principal, duplo, de O Lago dos Cisnes: começa pela sua mãe (Superego?), ex-bailarina e agora pintora, que a trata como uma criança; depois pela personagem da ex-principal estrela de sua companhia de balé, a esquentada e dramática ao extremo, Beth Macintyre (Wynona Rider); e chega a uma obsessão doentia e até mesmo sexual, assim como no filme de Bergman, com a novata Lilly (Mila Kunis se estabelecendo como uma atriz versátil, além de linda).

Não há a mais no trabalho de Darren. Pelo contrário, acho que de certa forma ele foi feliz em dois fatores, que passam próximo do que Nolan está fazendo hoje em dia: produziu um filme que precisa de observação e participação mental do espectador e o vendeu como um filme segmentado ou de gênero, como alguns preferem, trazendo o mais variado público, boa parte nem conhece os trabalhos anteriores do diretor.

O trailer – a idéia mais próxima de venda de um filme - foi feito sob medida para parecer somente mais um filme de terror. Não o é, mas também não explora as maiores facetas do personagem como Bergman o fez. Não é um demérito, mas é algo a se pensar.

“Fotografia”

Somente um filme supera o trabalho de câmera realizado em “Cisne Negro”: o de “Bravura Indômita” – do mestre Roger Deakins, o mesmo de “O Assassinato de Jesse James”, “O Homem Que Não Estava Lá” e “Soldado Anônimo”. Tirando este, o de “Cisne Negro”, feito por Matthew Libatique – o mesmo de “Pi”, “Homem de Ferro” e “Fonte da Vida” – beira a perfeição.

Filmar com câmera na mão um espetáculo de balé, rodeando os bailarinos e manter o foco ao mesmo tempo em que registra a dramaticidade, retratando o que realmente interessa ao diretor e ao espectador, é de se aplaudir. Mas o momento que a fotografia de “Cisne Negro” salta aos olhos são os ensaios.As dezenas de espelhos ao redor dos atores, que tem a preocupação de interpretar e de se posicionarem corretamente em cena, são mostrados sem ao menos notarmos o reflexo do operador de câmera – não sei se foi realizado algum efeito que apagasse tal presença, senão o foi, merece mais aplausos o que fez Libatique.

Há outro aspecto interessante na formatação do estilo mostrado em cena: a câmera de mão ou ombro, como alguns retrataram. Não muito comum nos três primeiros trabalhos de Aronofsky, que de alguma forma seguiam a tendência acadêmica e clássica de filmar, mas usado e abusado em seu trabalho anterior: “O Lutador”.

Aliás, o paralelo entre o personagem de Rourke e de Portman é mais que acertado e passa pelos desafios, pressão, doença, sacrifício final, até chegar a fotografia, mais íntima, que segue o personagem principal por diversos locais, físicos ou mentais.

“Elenco”

Apesar de fazer outro filme focado em um personagem principal, como no já citado “O Lutador”, Aronofsky, mais uma vez, acerta ao escolher seus coadjuvantes e a ter em mãos um elenco tão numeroso, que permite manobras dramáticas deveras interessantes.

Os coadjuvantes ajudam Portman ao mesmo tempo em que a desafiam. O que parece mais se divertir é o francês, marido da beldade Monica Belluci, Vicent Cassel. Como Thomas, o dono da companhia de balé que montará o espetáculo, ele trabalha os olhares e trejeitos necessários e que passam veracidade aos bastidores do balé.

A já citada Mila Kunis se mostra mais que um belo rosto, algo que já tinha feito ano passado em “O Livro de Eli”. Sua Lilly é uma despojada atuação que chama atenção e transtorna, ao mesmo tempo em que conquista, Nina. Seus olhares de sedução e total despretensão com o comprometimento habitual de um bailarino traz o espectador para dentro do filme.

Duas outras atrizes, com poucas cenas, mas que rendem de forma interessante é a sumida Wynona Rider e Barbara Hershey. A presença de ambas reforça o turbilhão de impressões verdadeiras e imaginarias de Nina em um momento inspirado de Natalie.

Por último, Natalie Portman. Você que acompanha aqui o A Sétima, sabe o quanto tenho antipatia pela Portman. Cheguei a apelidá-la de “InsuPortman”. Mas seu trabalho é bem acima da média, que ela mesma já o faz.

Sua Nina infantil dá espaço a uma adolescente, que se transforma em uma mulher, até se tornar uma vilã de primeira grandeza. Aliás, quando a transformação ocorre e ela mata a pureza daquela personagem perdida, aprisionada por hábitos e que sofria uma grande repressão por parte de sua mãe é que se nota a grandeza do trabalho dela.

Muda-se o olhar e a expressão corporal. E o Cisne Negro finalmente surge. Perfeita, como ela mesma diz ao encerrar o filme.

Um excelente filme, não é o melhor de Aronofsky. Acho que "O Lutador" e "Réquiem por um Sonho" ainda o superam, mas é mais um com qualidades de um grande. Nota 9,0.